Prosa y teatro.

 

Novela picaresca

La novela alcanza en el siglo XVI un gran desarrollo que culmina con la aparición de las obras de Cervantes.

En la primera mitad del siglo XVI florecen dos tipos de  narración:

En la segunda mitad del siglo hay:

 

El lazarillo

El Lazarillo no nació como una novela picaresca, sino como una dura crítica a la sociedad. Dicha crítica se oculta bajo las peripecias divertidas y dolorosas contadas en primera persona por un niño, de padres innobles, que aprende a sobrevivir defendiéndose gracias a su picardía, de la sagacidad, de la crueldad, de la avaricia y otros defectos de sus amos. Muchas características pasarían a convertirse en rasgos característicos de la novela picaresca del siglo XVII:

Autoría y publicación.

Conocemos La vida de Lazarillo de Tormes y de sus fortunas y adversidades por sus ediciones de 1554, en cuatro lugares distintos (Burgos, Alcalá de Henares, Medina del Campo y Amberes). Pero fue escrita bastante antes y seguramente tuvo otras ediciones antes de estas. No se conoce el nombre del autor, la obra es anónima, se supone que será por temor a posibles problemas derivados de la crítica anticlerical y erasmista que aparece en sus páginas.

Argumento y continuaciones.

A lo largo de la novela el niño se ve obligado a servir a numerosos amos:

a)       un clérigo de Maqueda (pequeño pueblo de la provincia de Toledo);

b)      un hidalgo de Toledo;

c)       un fraile mercenario (de la orden religiosa de la Merced);

d)      un buldero o vendedor de buldas (eran documentos eclesiásticos que eximían de hacer los preceptivos ayunos y abstinencias determinados días del año);

e)       un pintor de panderos;

f)        un capellán (eclesiástico encargado de un oratorio o capilla privada)

g)      y un alguacil

Con todos ellos Lázaro va adquiriendo su peculiar aprendizaje hasta acabar como pregonero y casado con una criada de un arcipreste.

Este libro lo han intentado imitar varias veces, incluso en nuestros días, Camilo José Cela publicó unas Nuevas andanzas y desventuras de Lazarillo de Tormes.

Trama y estructura.

Está compuesto por un prólogo y siete capítulos o tratados de extensión muy desigual. Hay mucha variedad de situaciones y personajes, es Lázaro el que da unidad y sentido a la novela.

  1. Tiene forma autobiográfica: el libro está escrito para contarle a alguien el relato de el “caso” ese caso no es otra cosa que los rumores que caían sobre la mujer de Lázaro de infidelidad (se decía que la mujer de Lázaro mantenía relaciones con el Arcipreste de San Salvador, al que servía). Lazaro se justificaba contando su historia desde la niñez, narra su vida y toda sus penalidades desde el principio (él ahora estaba dispuesto a aguantar la infidelidad de su mujer para poder tener una vida agradable, un hogar, comida, ropa,…).
  2. La obra presenta unidad estructural:

–          se inicia y se cierra haciendo referencia al “caso”;

–          su padre es un perseguido por la justicia y el como pregonero se ve obligado a ir anunciándolo por todo el pueblo;

–          su madre decide “arrimarse a los buenos”.

Los tratados más largos son los tres primeros, en estos Lázaro empeza a forjar su personalidad con sus tres primeros amos.

Temas y crítica social.

a)       La vida del protagonista dan lugar a varios episodios centrados en el engaño. El autor va dibujando personajes, situaciones de acuerdo con la época.

Muchas de esos personajes son tipos representativos de la sociedad española de la época: el ciego, el hidalgo, el buldero, etc. Critica la sociedad en general y dentro de esta crítica está el hambre (por la que Lázaro aguanta la infidelidad y por lo que tiene tantos amos).

b)      Otro tema importante es el religioso. El narrador critica el clero y la falsa religiosidad, esto lo vemos con la actitud del clérigo que no le da de comer, con la falsedad del buldero,…

c)       El tema de la honra también se refleja en toda la novela, pero es una honra basada en la apariencia; como podemos ver con la actitud del escudero, que aunque se está muriendo de hambre no puede trabajar con sus propias manos.

Lázaro nuevo protagonista narrativo.

Describe de una forma fiel los personajes y la situación de lo que hace que necesite un lenguaje ajustado a la verdad, sencillo. Se inicia la novela realista.

El narrador no renuncia a los recursos literarios, pero prefiere la fuerza de las palabras más cercanas (lenguaje vivo, popular, lleno de colorido, expresiones populares y vulgares) todo esto sirve para que haya mayor verosimilitud narrativa. También abunda la ironía.

 

Interpretaciones del Quijote

Al igual que don Quijote y Sancho no se reducen sin más a unos arquetipos, la novela no es un simple relato de aventuras más o menos divertidas donde brillan solo el ingenio y la pluma de su autor. Además, aunque lo declara como propósito, Cervantes no se limita a hacer una parodia de los libros de caballerías, si bien como parodia y obra cómica fue entendida entendida en su tiempo.

Cervantes va mucho más allá. En la novela, se tratan cuestiones de carácter literario, moral, religioso, político, social, filosófico, etc., que hacen del libro un compendio de manifestaciones y de problemas universales que atañen a la vida y al hombre. De ahí que su interpretación haya sido diversa y, además de apreciar la ridiculización de la caballería, se haya centrado también en aspectos como el heroísmo, la libertad, la ilusión, la lucha entre la concepción materialista e idealista del mundo, entre la realidad y el ideal, la irónica visión de una época en decadencia, etc.

El Quijote ha despertado y seguirá despertando múltiples interpretaciones y valoraciones, algunas muy diferentes, y su perspectiva y su sentido podrán ser también varios y distintos para cada uno de nosotros.

Estudiosos y críticos de todo el mundo se han preocupado de analizarla, especialmente a partir de los románticos, que fueron los primeros en apreciar la gran complejidad de la novela.

La interpretación dominante en el siglo XVIII fue la didáctica: el libro era una sátira de diversos defectos de la sociedad y, sobre todo, pretendía corregir el gusto estragado por los libros de caballerías. Junto a estas opiniones, estaban las que veían en la obra un libro cómico de entretenimiento sin mayor trascendencia. La Ilustración se empeñó en realizar las primeras ediciones críticas de la obra, la más sobresaliente de las cuales no fue precisamente obra de españoles, sino de ingleses: la magnífica de John Bowle, que avergonzó a todos los españoles que presumían de cervantistas, los cuales ningunearon como pudieron esta cima de la ecdótica cervantina, por más que se aprovecharon de ella a manos llenas. El idealismo neoclásico hizo a muchos señalar numerosos defectos en la obra, en especial, atentados contra el buen gusto, como hizo Valentín de Foronda; pero también contra la ortodoxia del buen estilo. El neoclásico Diego Clemencín destacó de manera muy especial en esta faceta en el siglo XIX.

Pronto empezaron a llegar las lecturas profundas, graves y esotéricas. Una de las más interesantes y aún poco estudiada es la que afirma, por ejemplo, que Don Quijote es una parodia de la Autobiografía escrita por San Ignacio de Loyola, que circulaba manuscrita y que los jesuitas intentaron ocultar. Ese parecido no se le escapó, entre otros, a Miguel de Unamuno, quien no trató, sin embargo, de documentarlo. En 1675, el jesuita francés René Rapin consideró que Don Quijote encerraba una invectiva contra el poderoso duque de Lerma. El acometimiento contra los molinos y las ovejas por parte del protagonista sería, según esta lectura, una crítica a la medida del Duque de rebajar, añadiendo cobre, el valor de la moneda de plata y de oro, que desde entonces se conoció como moneda de molino y de vellón. Por extensión, sería una sátira de la nación española. Esta lectura que hace de Cervantes desde un antipatriota hasta un crítico del idealismo, del empeño militar o del mero entusiasmo, resurgirá a finales del siglo XVIII en los juicios de Voltaire, D’Alembert, Horace Walpole y el intrépido Lord Byron. Para éste último, Don Quijote había asestado con una sonrisa un golpe mortal a la caballería en España. A esas alturas, por suerte, Henry Fielding, el padre de Tom Jones, ya había convertido a Don Quijote en un símbolo de la nobleza y en modelo admirable de ironía narrativa y censura de costumbres sociales. La mejor interpretación dieciochesca de Don Quijote la ofrece la narrativa inglesa de aquel siglo, que es, al mismo tiempo, el de la entronización de la obra como ejemplo de neoclasicismo estético, equilibrado y natural. Algo tuvo que ver el valenciano Gregorio Mayáns y Siscar que en 1738 escribió, a manera de prólogo a la traducción inglesa de ese año, la primera gran biografía de Cervantes. Las ráfagas iniciales de lo que sería el huracán romántico anunciaron con toda claridad que se acercaba una transformación del gusto que iba a divorciar la realidad vulgar de los ideales y deseos. José Cadalso había escrito en sus Cartas marruecas en 1789 que en Don Quijote «el sentido literal es uno y el verdadero otro muy diferente».

El teatro del siglo XVII

El siglo XVII es el gran siglo del teatro español por la importancia de sus autores, por la calidad de sus obras y por su repercusión social.

Todo ellos fue posible gracias al importo que Lope de Vega dio al teatro. Con los  principios de su comedia nueva, Lope determinará una serie de rasgos y de características que en buena medida van a configurar y a definir la comedia española de este siglo.

La comedia nueva.

Lope de Vega va introduciendo innovaciones que luego recoge en su obra Arte nuevo de hacer comedias. Estas novedades son las siguientes:

  1. Las obras del teatro ya no respetan las tres unidades de lugar, tiempo y acción propias del teatro clásico y renacentista;
  2. Frente a los cinco actos del teatro anterior, la obra se estructura ahora en tres actos o jornadas( exposición del caso, complicación de los hechos y desenlace);
  3. Mientras que en la preceptiva clásica lo cómico y lo trágico se separaban rigurosamente en géneros distintos, ahora pueden mezclarse en una misma obra;
  4. Todas las obras se escriben en verso:
  5. Se recorre a la polimetría mediante la utilización de estrofas y de metros diversos que se adecuan a las diferentes citaciones dramáticas (redondillas par las escenas amorosas, décimas para las quejas, romances para los relatos,..);
  6. También se busca ajustar el lenguaje a la condición de cada uno de los personajes, lo que se denomina “decoro poético”;
  7. Se pueden incluir bailes y canciones populares.

Temas y asuntos.

Los argumentos de las comedias tendían a ser complicados y a desarrollarse con un gran dinamismo y una acción rápida, llena de intriga novelesca, que servían para mantener viva la atención y la expectación del público.

Hay una gran variedad de asuntos (mitológicos, pastoriles, de historia extranjera, de historia clásica, de historia extranjera, de ambiente rural,…) pero destacan:

  1. Los temas de carácter popular y nacional, sacados de la tradición, la historia y la leyenda española;
  2. Los temas de amor y de celos,
  3. Los temas religiosos, tomados de la biblia, de la vida de santos, etc.

Tema de la honra.

En el siglo XVII, la honra hace referencia a la buena opinión que los demás tienen de una persona o la fama que esa persona a adquirido por su virtud y sus méritos.

En su origen la honra estaba unida a los nobles y como tema literario se trazaba en la epopeya y en los cantares de gesta.

Lope de Vega, en su simpatía por lo popular, extendió ese concepto de honor y honra, también a los villanos ricos, tema que unió al de la exaltación de la monarquía. Solía ser el monarca quien, al final, aprobaba la venganza por honor, contra los abusos de algún ofensor poderoso. Calderón de la Barca asumió y dio forma definitiva a ese concepto del honor.

Se ha unido también el tema del honor al de la limpieza de sangre. El padre o marido agraviado suele reafirmar su condición de cristiano viejo, no mezclado con sangre mora o judía.

Valor social de la escena Barroca.

El teatro del siglo XVII era en gran medida un espectáculo popular que servía para divertirse y para aprender modelos de comportamiento.

A veces se criticaban determinados aspectos o realidades, pero el espectador apreciaba sobre todo:

  1. La defensa de la monarquía;
  2. El mantenimiento de la condición social de sus personajes en una sociedad rígidamente estamentada;
  3. La afirmación nacional de la antigua hegemonía militar española en el momento del inicio de su decadencia,
  4. La defensa del estricto cumplimiento de la norma católica.

Los personajes.

En su creación dramática, Lope de Vega fija un esquema de personajes, que con diferentes variaciones y matices, van a aparecer en gran parte de las comedias que se representaban en las comedias del siglo XVII.

 

 

 

Los personajes se repiten y se convierten en tipos. No interesa su psicología ni sus valores sino su manera de comportarse. Los principales son:

  1. Galán: prototipo de caballero y representante de sus virtudes. Representa la idealización del mundo.
  2. Gracioso o criado: es la contrafigura del caballero, se caracteriza por su realismo y su visión práctica de la realidad. Representa los defectos del caballero.
  3. Dama: pareja del galán que representa las virtudes y la hermosura.
  4. Criada: pareja del gracioso, confidente y cómplice de su señora.
  5. Antagonista poderoso: es el “malo” que intenta hacer daño a los protagonistas.
  6. Papel de barba: representa el principio de autoridad, experiencia y moralidad.
  7. El Rey: por encima de todos hace justicia y si se equivoca se arrepiente y rectifica.
  8. El villano: versión rural de cualquiera de los personajes, siempre está idealizado.

Los corrales de comedias.

En los corrales de comedias se representan las obras teatrales del siglo XVII.

Eran explotados por diferentes hermandades o cofradías, que los arrendaban para obtener algunas ganancias con que atender hospitales u otras obras benéficas.

Los antiguos corrales se montaban en los patios de las casas de la vecindad.

Las ventanas del último piso se llamaban desvanes y los inferiores aposentos. Debajo había asientos en semicírculo, las gradas. Delante de las gradas estaba el patio, con algunos bancos.

En lugar llamado cazuela se destinaba a las mujeres, que aquí asistían al espectáculo separadas de los hombre, aunque en los palcos mujeres y hombres sí podían estar juntos. Había también espectadores de pie, llamados mosqueteros.

La escenografía era muy sencilla, apenas había decorado en la época de Lope aunque después se perfeccionó y mejoró notablemente.

Las funciones se celebraban los domingos y los dios al festivos, pero con el paso del tiempo se celebraron otros días de la semana. También se celebraban por la tarde a la luz del sol.

La función comenzaba con la loa, cuya finalidad era calmar al público para que comenzase la obra. Entre el primero y el segundo acto de la comedia, podía representarse un breve entremés y entre el segundo y el tercer acto se cantaban a veces una jácara. Al final de cada acto o al terminar la representación podía hacerse algún baile.

 

Lope de vega

Lope de Vega escribió poesía y obras en prosa, pero el destacó en la literatura española por sus obras dramáticas.

Es considerado como el creador e impulsor del teatro nacional del siglo XVI. Es el autor de nuestra literatura que más obras escribió, se le atribuyen  la creación de mil ochocientas comedias, de las que solo conocemos cuatrocientas.

Obra dramática de Lope de Vega

a)       Fuenteovejuna.

b)      El caballero de Olmedo.

c)       Peribáñez y el comendador de Ocaña.

d)      El mejor alcalde, el rey.

a)       El gran duque de Moscovia.

b)      El castigo sin venganza.

a)       El perro del hortelano.

b)      La dama boba.

c)       La discreta enamorada.

d)      Los melindres de Belisa.

e)       El villano en su rincón.

Características de su teatro

 

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